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ARTE Y PINTURA


 * Creatividad en todas las dimensiones: **




 * Colombia ** cuenta con reconocidos pintores como:

* Fernando Botero:

Nacido en Medellín en 1932, Fernando Botero fue el segundo de los tres hijos de la pareja formada por David Botero Mejía y Flora Angulo de Botero. Aunque en su juventud estuvo durante un corto lapso de tiempo en la Academia de San Fernando en Madrid y en la de San Marcos en Florencia, su formación artística fue autodidacta. Sus primeras obras conocidas son las ilustraciones que publicó en el suplemento literario del diario El Colombiano, de su ciudad natal.

A los 19 años viajó a Bogotá, donde hizo su primera exposición individual de acuarelas, gouaches, tintas y óleos en la Galería Leo Matiz, y con lo recaudado vivió algún tiempo en Tolú. De su estancia allí saldría el óleo//Frente al mar//, con el que obtuvo el segundo premio de pintura, consistente en dos mil pesos, en el IX Salón Anual de Artistas Colombianos. El crítico Walter Engel, en El Tiempo del 17 de agosto de 1952, encontró que tenía "una composición vigorosa, bien construida y bien realizada", pero el escritor Luis Vidales lo criticó por su "inconceptual alargamiento de las figuras".

Viajó entonces Botero a Europa, donde residió por espacio de cuatro años, principalmente en Madrid, Barcelona, París y Florencia. Aunque ingresó en las academias mencionadas, siguió formándose a base de leer, visitar museos y, sobre todo, pintar, como él mismo diría. Luego viajó a México, Nueva York y Washington en un período de febril creación y escasos recursos económicos, acompañado de su esposa Gloria Zea. De nuevo en Colombia, Botero compartió el segundo premio y medalla de plata en el X Salón de Artistas Colombianos, con Jorge Elías Triana y Alejandro Obregón. Su óleo //Contrapunto// fue alabado por los críticos unánimemente, por su alegría contagiosa. //La camera degli sposi// obtuvo el primer premio en el XI Salón Nacional celebrado en septiembre de 1958. En esta obra Botero logró deshacerse de una lejana influencia del muralismo mexicano y dirigirse, sin titubeos y por medio de su admiración a los artistas del Renacimiento italiano, hacia la consolidación de lo que alguien llamó el "boteroformismo".

En 1977 expuso sus bronces por primera vez en el Grand Palais de París. Tras cuatro decenios de labor ininterrumpida, su reconocimiento en el campo escultórico se hizo también universal. Apoteósica fue la exposición de sus enormes esculturas en los Campos Elíseos en París durante el verano de 1992, y en el año siguiente en la Quinta Avenida de Nueva York, en Buenos Aires y en Madrid. Convertido ya en uno de los artistas vivos más cotizados del mundo, Botero no ha dejado nunca, sin embargo, de alzar la voz contra la injusticia y de mantener su arte en línea con la realidad histórica y social. Sirve para ilustrarlo una de sus más recientes series pictóricas, la que realizó sobre las torturas cometidas por los marines en la cárcel iraquí de Abu Ghraib (2003), en el marco de la ocupación norteamericana de Iraq. Presentada en 2005 en el Palacio Venecia de Roma, la fuerza turbadora de esta colección de cincuenta lienzos atestiguó además que el pulso y la creatividad del artista no ha menguado en absoluto con los años.   []



*Alejandro Obregón:

(Barcelona, España, 1920 - Cartagena, Colombia, 1992) Pintor colombiano. Su familia se trasladó definitivamente a Barranquilla cuando el futuro pintor había cumplido dieciséis años. Con toda seguridad, el cambio de cultura, de ciudad y de ambiente impresionaron al adolescente, en especial el exuberante trópico, con su luz radiante y aire de libertad. Aprendió entonces a comer pescado con ñame, sancocho de sábalo, a fumar Pielroja (cigarrillo que fumó hasta su muerte) y a tomar ron blanco. En 1938 se trasladó a Boston, Massachusetts, con el fin de estudiar aviación, carrera que casi concluyó, pero por problemas con un profesor fue expulsado de la escuela y regresó a Barranquilla, a trabajar en la fábrica de textiles de su padre, como supervisor de producción. Pronto comprendió que ése no era su ambiente y decidió irse, en 1939, a trabajar como conductor de camión en las recién abiertas petroleras del Catatumbo, lo que constituyó otro gran estímulo para su carrera de pintor, pues la selva y su mundo, el de los motilones, lo embelesaron.

Poco tiempo duró en el Catatumbo: comprendió que su destino estaba en los pinceles, la paleta, la espátula y los colores. Viajó entonces, en 1940, por segunda vez a Boston, con el fin de estudiar pintura. Luego de algunas dificultades para conseguir cupo en alguna academia, pues se le consideró "inepto", se matriculó en el sótano del Museum of Fine Arts School, donde funcionaba una escuela para niños. Duró en ella apenas un semestre y allí realizó su primera exposición. Viajó luego a España, como vicecónsul de Colombia en su Barcelona natal.  En la capital catalana se vinculó a la famosa Escuela de Artes de la Llotja, pero fue expulsado poco después por defender vehementemente el arte americano. Ingresó entonces en el Círculo Artístico y después se convirtió en autodidacta, dedicándose a perfeccionar sus conocimientos a través del estudio directo de las obras de los grandes pintores sensuales españoles: *francisco de goya quien consideraba el pintor por excelencia * diego velazquez.

Otros de sus ídolos fueron Rembrandt, por la rebeldía contra la injusticia que emanaba de sus cuadros; Picasso, por su influencia sobre la pintura contemporánea, y las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira, en especial su famoso bisonte, que inspiraría con el tiempo los lienzos de toros y cóndores de Obregón. <span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">Permaneció en Barcelona hasta 1944 y allí realizó una exposición individual. De regreso a Colombia, se radicó en Bogotá, ciudad en la que compartió estudio con el pintor Ignacio Gómez Jaramillo, en la mansarda de la casa de Juan Friede, y se vinculó al mundo intelectual y bohemio de la capital. Además, fue nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, en donde pudo realizar una obra titánica, como fue la de sacar a la escuela del estancamiento académico en el que la habían dejado los pintores colombianos de principios de siglo. <span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">Desde su época de residencia en Boston hasta 1946, estuvo en un permanente proceso de formación; su pintura es contradictoria y oscila entre cierto academicismo tradicional y un expresionismo cezanniano muy forzado. Sin embargo, comenzaba ya a mostrar su característico estilo vital y fogoso, como demuestra su lienzo //Retrato de Bolívar// (1944), en que pintó con colores violentos al Libertador, con una figura en rojo cubierta por una capa amarilla y negra. <span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">El año siguiente, en una exposición retrospectiva de 62 obras suyas que se llevó a cabo en la Sala Gregorio Vásquez de la Biblioteca Nacional de Bogotá, se podía apreciar el abandono de los colores violentos, que pasó a reemplazar por tonalidades grises; sus temáticas dominantes fueron autorretratos, cabezas femeninas y paisajes. []



<span style="color: #0070c0; font-family: 'Trebuchet MS',sans-serif; font-size: 14pt;"> Así mismo, escultores como:

* Edgar Negret:

(Edgar Negret Dueñas; Popayán, Colombia, 1920) Escultor colombiano. Unánimemente considerado como el más destacado representante de la moderna escultura colombiana, Edgar Negret trascendió con sus composiciones abstractas las fronteras de su país y asimiló las tendencias de la plástica del siglo XX para crear una obra de singular originalidad y fuerza expresiva.

<span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">Hijo de una familia aristocrática (su padre fue el general Negret), cursó estudios en Cali. En 1946 hizo su primera exposición individual y durante los años cincuenta residió en Nueva York, París y Madrid. Sus materiales de trabajo fueron muy diversos desde los inicios, pues incluían el yeso, la cerámica, el acero y el hierro, aunque posteriormente el aluminio pasó a ser el más utilizado. Gaudí y Brancusi fueron los artistas que más influyeron en su formación. <span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">Al comienzo de su carrera pasó por una etapa semifigurativa. Fue en los primeros años de la década de 1950 cuando empezó a realizar conjuntos escultóricos abstractos como su serie //Aparatos mágicos//, construcciones realizadas con piezas metálicas ocasionalmente móviles, en las que se evocaba la moderna y compleja tecnología industrial. En sus creaciones fue adquiriendo predominio el ensamblaje de planchas y barras coloreadas y fijadas mediante tornillos y tuercas. <span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">Su original estilo y técnica creativa lo configuraron como uno de los grandes escultores del siglo XX en Latinoamérica. Negret expuso sus obras en la Exposición Internacional de Pittsburgh, la XXX Bienal de Venecia de 1960 y las bienales de São Paulo de los años 1957 y 1965, entre otros certámenes. Entre sus obras cabe destacar //La cabeza del poeta Valencia//(1944), //Templo// (1970), //Negret y navegante núm. 2//(1974), //Dinamismo// (1974), //Vigilantes// (1978), //Tótem//(1978) y //Metamorfosis// (1982). En su última etapa introdujo en su obra colores estridentes inspirados en motivos incaicos, como en la serie //Muros del Cuzco//(Casa Negret, 1990). [] <span style="color: #3e3d3d; font-family: 'Trebuchet MS',sans-serif;">

* Eduardo Ramírez Villamizar:

Escultor y pintor nortesantandereano (Pamplona, 1923). Eduardo Ramírez Villamizar hizo algunos años de arquitectura en la Universidad Nacional de Bogotá, entre 1940 y 1943, aunque desde adolescente se inclinaba por las artes plásticas. A1 dejar la carrera de arquitectura, comenzó a pintar en términos expresionistas, un poco a la manera de Georges Rouault. El paso definitivo al arte abstracto lo dio en París, poco después de su llegada a esa ciudad en 1950. Vinculado al arte geométrico, Ramírez no fue un epígono más, sino que realizó una obra personal, caracterizada por la relación estrecha de unas formas planas que, presididas por la línea recta o la línea curva, por diseño y color se imbrican o se engranan entre sí. A veces la composición está dominada por las curvas, otras veces sólo hay rectas, aunque en la mayoría de los casos aparecen unas y otras en los más diversos acoplamientos. El colorido es variado, pero hay un predominio del rojo, el azul, el verde, casi siempre puros, y de los neutros, el negro, el blanco y los grises. La pintura abstracta de Ramírez fue el preámbulo necesario de su obra de escultor. Es tal la unidad de toda su producción, que algunos cuadros anticipan claramente sus primeros relieves e, incluso, anuncian las formas y los espacios de sus esculturas libres. Entre 1959 y 1964, Ramírez Villamizar realizó numerosos relieves. Los primeros son blancos. Los planos superpuestos, de escaso espesor, prolongan tanto la morfología como las composiciones de las pinturas. Poco a poco los relieves se vuelven más complejos, los elementos se multiplican y sus relaciones se hacen más intrincadas. También aparece el color (el amarillo, el azul, el ocre), aunque el blanco sigue predominando. Los relieves de 1962 fueron dedicados por el artista a la orfebrería precolombina, y aunque estas obras no tienen nada que ver con aquellas piezas, es innegable que Ramírez Villamizar ya era un estudioso del Museo del Oro, en el que aprendió mucho del diseño, la organización de las superficies y los contrastes entre planos lisos y otros muy elaborados de los trabajos prehispánicos. Desde antes de sus primeros relieves, ya el artista había hecho incursiones en el campo de la escultura exenta. En 1963, en medio de su producción de relieves, Ramírez Villamizar trabajó la escultura libre Homenaje al poeta Jorge Gaitán Durán. Esta obra es un doble relieve, a manera de pared, de la que, a uno y otro lado, surgen elementos proyectados y, en especial, una serie de ondas localizada en el centro del rectángulo. Entre 1964 y 1966 Ramírez realizó otras esculturas exentas: Al poeta Eduardo Cote, Saludo al astronauta, Reliquia y otras. Ramírez Villamizar frecuentó los Estados Unidos desde los primeros años cincuenta. Vivió en Nueva York de 1967 a 1974. Allí comenzó a trabajar láminas de plástico, inclinó los planos que siempre se habían mantenido como paredes, y estableció el espacio dentro de la escultura. De 1967 a 1968 son las Construcciones emergiendo, los Círculos intersectados, las Construcciones suspendidas, las Cámaras en progresión, las Construcciones topológicas y otras. Pese a sus diversas morfologías, todas estas series están íntimamente relacionadas.

Todas las formas, las opacas y las vacías, se generan entre sí y cada serie hace germinar la siguiente. En 1971 Ramírez Villamizar realizó cuatro torres en concreto en una autopista de Vermont. A partir de esta obra trabajó Columnata, en Fort Tryon Park de Nueva York, y las 16 torres en los cerros orientales de Bogotá, a la altura del Parque Nacional. Con base en el módulo ortogonal de estas esculturas, Ramírez realizó un múltiple de madera, varios relieves y algunas construcciones. En 1973 hizo otras esculturas públicas en Estados Unidos: Hexágono, en Nueva York, y De Colombia a John Kennedy, en Washington. Esta última obra, inspirada en la espiral del caracol, anticipa sus construcciones de 1975 y 1976. La mayoría de estas esculturas tienen grandes dimensiones y se caracterizan por su disposición horizontal. Construidas en hierro y pintadas de rojo, negro o blanco, constituyen un rico engranaje de segmentos muy inclinados, que decrecen de tamaño hacia el centro de la composición. Cuando el artista regresó al país, en 1974, se instaló en Suba, en una casa con amplio jardín. Allí colecciona, junto a algunas obras precolombinas y modernas, cientos de caracoles. Ese contacto tan cercano con la naturaleza se manifestó de muchas maneras en sus trabajos de fines de los setenta. Por esos años hizo Peines del viento, Insectos policromados camuflándose, Caracol-pájaro, Flor-pájaro-caracol y otros. En estas obras, el artista no confunde su claro sentido de forma y estructura con la "imagen" que representan. A esos años corresponde, también, la enorme escultura pública de Bogotá, Nave espacial, inspirada en la osamenta de un pájaro. A comienzos de los ochenta Ramírez volvió a trabajar esculturas de líneas rectas y realizó algunas piezas de escasa altura, prácticamente extendidas por el piso. Si la naturaleza permeó su obra inmediatamente anterior, la arquitectura volvió a presidir muchos de los trabajos de los ochenta; aunque, algunas veces, se ve una síntesis afortunada de las dos fuentes de inspiración: Insecto-nave espacial, Columna-flor, Arquitectura-insecto. Desde una pintura como El dorado, de 1957, hasta numerosas construcciones de los ochenta, la obra de Ramírez Villamizar recuerda el arte precolombino. Si después del óleo mencionado, el escultor realizó especialmente relieves con referencias prehispánicas; en los ochenta han sido constantes las construcciones en hierro oxidado relacionadas con el arte precolombino.

Una relación que nunca ha sido meramente nominal, pero que tampoco ha sido de transcripciones directas. En los últimos años, el escultor (sobre todo), ha conocido los principales lugares arqueológicos de América Latina y estas vivencias le han ayudado a fortalecer su concepción de las formas y lo han estimulado a desarrollar las más variadas recreaciones de lo precolombino. El viaje a Machu Picchu, a fines de 1983, fue definitivo para la producción iniciada a comienzos del año siguiente, de grandes construcciones plenas de sobriedad y poderío. A la serie Recuerdos de Machu Picchu, que alude a los muros, terrazas, caminos, canales de irrigación de la arquitectura incaica, Ramírez Villamizar ha agregado trabajos como las Piedras cansadas, los Trajes ceremoniales, los Mantos emplumados, las Máscaras rituales, las Deidades agustinianas, los Templos y otros. Desde fines de los setenta, el escultor ha realizado esculturas de hierro oxidado. AI principio las alternó con obras pintadas (Flores para Feliza, Río en la selva), pero después de 1984 sólo ha trabajado el hierro sin pintar, salvo algunas construcciones en madera. Ramírez Villamizar ha dicho que estos trabajos pertenecen a su "fase romántica"; un calificativo que sólo tiene que ver con el acabado diferente al impecable colorido de su producción anterior, porque de resto, las esculturas siguen siendo estrictamente racionalistas. Las construcciones de Ramírez Villamizar están vinculadas a las esculturas de componentes bidimensionales que se han llevado a cabo desde comienzos de siglo. La serie Recuerdos de Machu Picchu se caracteriza por la presencia de grandes planos articulados, que recuerdan los sillares poligonales de la arquitectura incaica. Es, además, una serie de construcciones de disposición frontal que encaran al espectador y que sólo tienen un aspecto anterior y otro posterior. Sin embargo, el artista no ha dejado de trabajar volúmenes (hechos de planos) y espacios intercalados entre aquéllos. Recientemente y al lado de sus "precolombinos", Ramírez Villamizar ha hecho trabajos como Homenaje al cubismo y otros de su vertiente "naturalista". Además de algunos Caracoles, hay que destacar el Espejo de la luna, construcción pública instalada a mediados de 1990 en la calle 100 de Bogotá. De 1991 y 1992 son los Aerolitos (volúmenes romboides que sólo se sostienen enterrados en el piso 0 sostenidos por cables) y los Acoplamientos (construcciones complejas con varios elementos llenos y vacíos). Finalmente, entre 1989 y 1990 el artista adelantó también algunas construcciones en madera, entre las que se destaca la maqueta de El templo de las leyes, un homenaje al general Francisco de Paula Santander. []

<span style="color: #3e3d3d; font-family: 'Trebuchet MS',sans-serif;">

<span style="color: #3e3d3d; font-family: 'Trebuchet MS',sans-serif;">y arquitectos como:

Rogelio Salmona:

París, 1929 - Bogotá, 2007) Arquitecto colombiano. Interrumpió sus estudios para ir a trabajar al estudio de Le Corbusier en París de 1949 a 1958, tras haberle conocido durante la visita que Le Corbusier hizo a Colombia en 1947 con motivo del Plan de Bogotá. Salmona aprovechó esa estancia en la capital francesa para asistir a los seminarios que Pierre Francastel estaba dando en La Sorbonne.

<span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">De regreso a Colombia, continuó sus estudios en la Universidad de los Andes, donde obtuvo el título de arquitecto en 1962. Aunque recibió influencias del maestro belga, su obra se orientó hacia el conocimiento de la tradición de su país. <span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">Utilizó materiales autóctonos, como el ladrillo típico de la región de Bogotá, y adecuó su arquitectura al paisaje y la luz colombiana. En colaboración con Guillermo Bermúdez ganó el primer premio del concurso para la urbanización El Polo, donde utilizó el ladrillo visto, combinado con elementos típicos de movimiento moderno, como eran las ventanas corridas dispuestas en posición horizontal.

<span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">Los más notables arquitectos colombianos han asumido la arquitectura del ladrillo, construyendo ejemplos de una genuina arquitectura nacional, ya reconocida internacionalmente, y cuyo máximo exponente fue Rogelio Salmona. En 1970 diseñó para el BCH el conjunto residencial Torres del Parque, sobre el costado oriental de la Plaza de Toros de Santamaría, en Bogotá; las tres torres marcaron un hito en la implantación de una obra contemporánea en el contexto urbano y en el manejo esmerado de formas y materiales, en especial del ladrillo, que llegaría a tener una influencia innegable en la arquitectura colombiana. <span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">Sus obras acusan también una reflexión profunda sobre el entorno urbanístico de cada construcción y una peculiar "poética" y tratamiento de sus espacios y materiales, ya sea la piedra de la región en la Casa de Huéspedes Ilustres, en Cartagena (1978-1986), o el ladrillo en el Centro Jorge Eliécer Gaitán, de Bogotá, en construcción desde 1980; el Museo Quimbaya en Armenia (1988); la sede de la Fundación FES en Cali (1990); el Archivo General de la Nación (1994) y el centro comunal (1997) que se integran al contexto del proyecto de urbanización ya mencionado de la Nueva Santa Fe, en Bogotá.

<span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">Entre sus últimos proyectos sobresale la biblioteca Virgilio Barco de Bogotá, inaugurada en 2001. Dos años más tarde, Salmona fue galardonado con el premio Alvar Aalto, otorgado por la Asociación Finlandesa de Arquitectos (SAFA). <span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">El arquitecto e historiador Alberto Saldarriaga ha caracterizado los últimos diseños de Salmona como una "arquitectura de los espacios de transición", en la que "la espacialidad se trabaja con la idea de generar umbrales, filtros espaciales, mediadores entre el interior y el exterior, entre lo público y lo privado". También destaca su afirmación del lugar en que esa arquitectura se erige, así como su sensible manejo de las texturas y, por consiguiente, de la luz. <span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;">Rogelio Salmona ganó diversos galardones (como el premio Nacional de Arquitectura de Colombia) que lo señalaron como una de las figuras más importantes de la arquitectura latinoamericana. Fue fundador de la Fundación Pro-Ciudad, organización que se encargaba de la protección y el desarrollo de Bogotá y otras ciudades colombianas. <span style="color: #000000; display: block; font-family: Verdana,Arial,Helvetica,sans-serif; font-size: 12px; text-align: justify; text-decoration: none;"> []


 * <span style="color: #3e3d3d; font-family: 'Trebuchet MS',sans-serif;">Son ejemplos de la creatividad de los colombianos que durante la segunda mitad del siglo XX comenzó a destacarse internacionalmente.



Desde antes de la llegada de los españoles a tierras americanas, las artes han tenido un importante desarrollo en lo que hoy día es Colombia. La cerámica tuvo un significativo lugar entre las diferentes tribus indígenas logrando un nivel de desarrollo admirable, que hoy hace eco a nivel mundial gracias a iniciativas como Artesanías de Colombia. También se han encontrado algunos vestigios de arte rupestre y se pueden considerar a las esculturas monolíticas de San Agustín como el primer rastro de esta práctica. <span style="color: #3e3d3d; font-family: 'Trebuchet MS',sans-serif;">Desde antes de la llegada de los españoles a tierras americanas, las artes han tenido un importante desarrollo en lo que hoy día es Colombia. La cerámica tuvo un significativo lugar entre las diferentes tribus indígenas logrando un nivel de desarrollo admirable, que hoy hace eco a nivel mundial gracias a iniciativas como Artesanías de Colombia. También se han encontrado algunos vestigios de arte rupestre y se pueden considerar a las esculturas monolíticas de San Agustín como el primer rastro de esta práctica.



<span style="color: #3e3d3d; font-family: 'Trebuchet MS',sans-serif;"> Durante el periodo colonial, la pintura y la imagen en general, fue el principal medio de evangelización en un territorio colmado de indígenas y africanos analfabetas. El control por part e de la iglesia no impidió que la fusión de estas tres culturas produjera, aunque escaso, cierto número de obras importantes no solo pictóricas sino también muralistas.





<span style="color: #3e3d3d; font-family: 'Trebuchet MS',sans-serif;">

Sin embargo, sólo hasta la segunda mitad del siglo XX se desarrollan importantes movimientos artísticos en Colombia. La creación del Salón Nacional de Artistas Colombianos ha permitido que los diferentes creadores puedan desarrollar su arte a plenitud. El más importante de los ganadores del mismo es, sin lugar a dudas, Fernando Botero. Se destacan también Alejandro Obregón, los escultores Edgar Negret y Eduardo Ramírez Villamizar quienes abrieron las puertas para que otros artistas como

Beatriz González:

Beatriz González ha declarado varias veces su admiración por la crítica de arte Marta Traba y por la pintora antioqueña —recientemente fallecida— Débora Arango Pérez (jamás mencionada, creemos que con justicia, por doña Marta), tal vez queriendo orientarnos así ante sus dos vetas de trabajo: la crítica de arte y su pintura social y política.

Después de 17 años de publicado el libro //Beatriz González: Una pintora de provincia// (Carlos Valencia Editores, Bogotá 1988), Seguros Bolívar (que con los años ha formado un importante fondo editorial de la pintura colombiana: Alejandro Obregón, Juan Cárdenas, Lorenzo Jaramillo, Juan Antonio Roda, Carlos Rojas, Noé León, Roberto Pizano y Olga Amaral, para nombrar tal vez sólo a los más importantes) vuelve a hacérsele una nueva y completa edición de su obra, incluyendo esta vez sus últimos años de trabajo, con textos de Holland Cotter —crítico de //The New York Times//— Carmela María Jaramillo y María Margarita Malagón, y con 180 reproducciones a color.

Beatriz González, nacida en Bucaramanga a finales de los años 30, expuso por primera vez en forma individual en el Museo de Arte Moderno de Bogotá en 1964, una muestra no de sus inicios de pintora sino de sus dotes, de su visión y de su amor, en este caso, por la obra de Vermeer de Delft y de su //Encajera//, un tema tratado también por Velázquez y querido por Marta Traba. Beatriz invierte el cuadro de Vermeer y lo transforma en planos luminosos, convirtiéndolo en una serie de obras casi abstractas y con un tema diferente: la pintura. Otro tanto había hecho uno o dos años antes con //La rendición de Breda//, en el que igualmente el tema es la pintura, sus trazos, su textura, sus zonas de color... convirtiendo el Velázquez en su centro de análisis, como ya lo había hecho Fernando Botero, cinco años mayor que la artista.

En 1965 Beatriz González gana un segundo premio del XVII Salón Nacional de Artistas con //Los suicidas del Sisga//, un cuadro en sólo planos, “sencillo,” llamativo y hermoso, que ha reemplazado a los soldados de//La rendición de Breda de Velázquez// y a la ensimismada encajera de Vermeer por dos compatriotas enamorados que en esos años conmovieron al país con una historia que hoy el cuadro oculta: “la fotografía que una joven pareja se hizo tomar” antes de ahogarse, voluntariamente, en la laguna. Tal vez este doble “crimen pasional”, //ocasionado// por la iglesia católica (que declaró pecado hasta el bailar), nos hubiera enseñado algo sobre la turbulenta calma de la sexualidad colombiana y la sombría libido de la violencia si esta serie no se hubiera desvanecido en la búsqueda formal de sus temas siguientes: “propaganda de fisicoculturismo y remedios para el dolor de cabeza,” y en la adaptación libre “de obras maestras... de la pintura europea a formas vernáculas... En una, reconstruye una pintura panorámica de nenúfares de Monet sobre 20 metros de plástico para cortina de ducha.

En otra, pintó //Le moulin de la Galette//, el himno de Renoir al ocio de la clase media, sobre un rollo largo de papel que puso a la venta por centímetros...” Ejemplos de pintura //subdesarrollada// (Holland Cotter, //The New York Times//, prólogo al libro) en que la pintora gastará varios años, hasta que en los 80 se ocupa de los graves acontecimientos políticos y de los presidentes que los propiciaron (el “progreso” del país es privado y sucede a las malas, cuando no en forma brutal): en su pintura //Señor presidente, qué honor estar con usted en este momento histórico//, “el sonriente Presidente y su gabinete, flanqueados por soldados uniformados, se sientan en una mesa que tiene como adorno central un ramo de flores de color rojo sangre. [En la siguiente versión]las flores han sido reemplazadas por un torso humano calcinado” (Holland Cotter). A lo largo de sus 45 años de artista casi todos los críticos de arte colombianos se han ocupado de su obra; el primero, como siempre, fue Walter Engel; el más importante de los ausentes, Casimiro Eiger; los más entusiastas y quienes más se extendieron en su estudio y admiración, Eduardo Serrano y Marta Traba (1923-1983), quien fuera además su maestra en la Universidad de los Andes y quien escribió en 1977 un libro sobre ella (//Los muebles de Beatriz González//).

Esta reseña sobre su nuevo libro podría haberse comenzado con un epígrafe del pintor y dibujante Luis Caballero, donde dice: “Usted es la única gran pintora colombiana. Usted es la única pintora en Colombia que ha sido capaz de pintar colombiano.” Sin entrar a discutir si Noé León es o no un “pintor colombiano” o si Antonio Samudio pinta o no en colombiano o si así lo hizo José María Espinosa, digamos que esta frase encierra el “misterio” de la obra de Beatriz González, y que se hace aún más verdadera si la pensamos junto a su pintura más reciente, que no pudo ver Caballero —la que comienza en los años 90— cuando todo su trabajo anterior cobra un auténtico sentido, un vigoroso sentido poético y humano al lograr una simplificación muy trabajada, intentada por décadas, hasta hacer suya una expresión popular, pero emocionalmente de un gran poder expresivo, en donde el dolor y la pérdida son el espíritu de una realidad estremecedora que sabemos inaceptable y terrible. Podríamos nombrar como centro de toda esta deslumbrante pintura (la fuerza viva de los colores) un solo cuadro, porque resume el nuevo estado de su obra y el drama humano que estamos viviendo, hoy y tal vez desde siempre: //Autorretrato llorando//, en donde ella se pinta desnuda con el rostro hundido entre las manos, en donde el llanto lava el azul transparente de su cuerpo y el país todo atardece en una noble belleza sin consuelo.

Todo lo aprendido, todo lo sabido... como persona, como colombiana, como pintora; toda su capacidad de comprensión, de expresión y todo el alcance de su poética aprendida en la buena y en la “mala” pintura, se realiza en estos últimos 20 años de trabajo en una especie de mural colombiano, como si fuera una obra única, ¡una obra maestra! Su amor por Mantegna o por Gauguin, por Degas o por el imaginario de una pintura pueblerina, por Kollwitz o los pintores de buses, está aquí fundido para lograr un insólito poder de nombrar, de nombrar el dolor en un lenguaje que reconocemos nuestro, porque proviene de lo que hemos amado y con lo que hemos convivido.

Una gran libertad, encadenada a una tierra, a una gente, a un dolor. Ahora que sólo se habla de la incapacidad de la pintura y de sus dones obsoletos, Beatriz González nos la devuelve como un lenguaje capaz de nombrar lo innombrable, una voz intensa y esplendente, humana y hermosa, levantándose contra el horror, porque quiere redimirnos como seres humanos, no como marionetas sin inteligencia ni alma, devolviéndonos el terrible poder de sentir, con auténticos íconos de un enorme país clamorosamente vivo.

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Santiago Cárdenas:

Santiago Cárdenas Arroyo nació en Bogotá en 1937. Realizó estudios de arte en Rhode Island School of Design, BFA en pintura en 1960. Fue becado en Cummington Art School, Massachussetts

durante el verano de 1959. Después de prestar servicio militar obligatorio en el ejército de los Estados Unidos, ingresó a Yale University donde obtuvo el MFA en pintura en 1964. Regresó a Colombia e n 1965 y desde entonces cuenta con una activa carrera docente ejercida en la Universidad Nacional de Colombia. Allí es profesor titular y profesor emérito (1993).

De 1972 a 1974 desempeño la dirección de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional. En 1982 fue invitado por el Center for Inter-American Relations de Nueva York como conferencista sobre su obra, en 1983 el Art Museum de RISD Providence, R.I., lo invitó a dictar una conferencia sobre su trabajo. Ese mismo año fue nombrado "Distinguished Visiting Professor" del Miami Dade Community College y en 1987 el Círculo de Bellas Artes de Madrid lo invitó a dictar un taller avanzado de pintura. Su obra ha sido reconocida en diversos certámenes en Colombia, Sur América, Europa y en los Estados Unidos de América. Obras suyas se encuentran en las colecciones del Museum of Art Rhode Island School of Design, Providence; The Museum of Modern Art, N.Y., el Museo de Arte Moderno de la Tertulia, Cali; Museo del Minuto de Dios, Bogotá; Museo de Arte de la Universidad Nacional de Bogotá: The Chase Manhattan Bank Collection, N.Y.; Museo Negret, Popayán, Museo Rayo, Roldanillo; Museo de Bellas Artes, Caracas; Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber, Caracas; Museum of Art, The University of Texas, Austin; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro; Colección Bozano Simonsen, Río de Janeiro; Prints Museum de Noruega; la colección Window South de Glendale, California y la colección de la BP Belgium, Amberes. Ha realizado mas de cuarenta exposiciones individuales y participado en numerosas muestras colectivas entre las cuales se destacan la Bienal Internacional de Medellín, 1973 (Primer Premio de Pintura); la Bienal de Sao Paulo en 1977 donde recibió una mención especial; Recent Acquisitions, The Museum of Modern Art N.Y. 1977: The Latin American Presence, 1920-1970, Bronx Museum of the Arts, N.Y. 1988; Art in Latin America, The Hayward Gallery, Londres 1989.

Representó a Colombia en la Bienal de Venecia en 1990; expuso en la Galería Freites de Caracas en 1989 y 1991; participó en Arte Colombiano en Expo Sevilla 1992; en Latin American Artists of the 20th Century, Expo Sevilla 1992, organizado por The Museum of Modern Art de Nueva York y en Rachel Adler Gallery, N.Y. 1992 y 1993. []

Ana Mercedes Hoyos:

Pintora nacida en Bogotá, el 29 de septiembre de 1942. Hija del ingeniero, dedicado a la arquitectura, Manuel José Hoyos, y de Esther Mejía, Ana Mercedes Hoyos hizo la primaria y el bachillerato en el Colegio Marymount de Bogotá. Durante la secundaria tomó clases particulares de pintura con Luciano Jaramillo, y desde pequeña conoció Europa con su familia; su padre cultivó en ella el interés por los museos y por la historia del arte. Ingresó a la Universidad de los Andes a estudiar artes plásticas, donde tuvo como profesores a Juan Antonio Roda, Luciano Jaramillo, Armando Villegas y Marta Traba; después pasó a la Universidad Nacional dé Bogotá, pero no se graduó en ninguna de las dos para dedicarse a la pintura. En 1967 se casó con el arquitecto Jacques Mosseri y dos años después nació su hija Ana. Hoyos empezó a exponer en 1966. Desde el principio, su obra ha estado cercana al movimiento pop. Inicialmente hizo una serie de vallas, paisajes urbanos y buses al óleo, muy esquemáticos, en fuertes colores planos. A partir de 1969 realizó su serie Ventanas, para algunos sus pinturas más importantes; son obras aún más sintéticas, casi siempre en pequeño formato, cuadradas, en las que líneas verticales, horizontales y diagonales enmarcan un nebuloso paisaje abstracto, y donde se hace evidente su interés por la investigación de las variaciones del color y las transparencias del óleo. Esta serie evolucionó hacia pinturas más abstractas, que la artista llama atmósferas; son superficies muy claras, generalmente cercanas al blanco, con variaciones tonales casi imperceptibles. A partir de 1984, Ana Mercedes Hoyos se interesó en hacer recreaciones a partir de bodegones famosos de la historia del arte; inicialmente girasoles, o su síntesis pop, en bastidores redondos, según Vincent van Gogh. Después vinieron una tela enorme, El primer bodegón en la historia del arte, según Caravaggio, y otras pinturas a partir de Zurbarán, Cézanne, Jawlensky y Lichtenstein. En estas pinturas Hoyos regresó a los colores fuertes muy vivos, casi planos. A partir de 1987 ha realizado una serie de obras figurativas con motivos nacionales, Bodegones de Palenque, partiendo de los platones de las vendedoras de frutas de Cartagena, y una serie de Papagayos. También ha realizado algunas obras tridimensionales: esculturas en concreto, Ventana (1975) y Gírasol (1984); e instalaciones como Flores de luto, en homenaje a Marta Traba (1983), y Campo de girasoles (1984). Ana Mercedes Hoyos ha realizado un gran número de exposiciones individuales, entre las que se destacan las del Museo de Arte Moderno de Bogotá en 1976, y "Ana Mercedes Hoyos, un decenio 1970-1980", en el Centro Colombo Americano de Bogotá, en 1981. Ha participado en innumerables colectivas en Colombia y el exterior. Ha recibido un gran número de premios, entre otros, el segundo premio en la Bienal de Pintura Joven del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, en 1967; el primer premio en la exposición "Espacios ambientales", organizada por Marta Traba en el Museo de Arte Moderno de Bogotá en 1968; el premio Ciudad de Caracas a una serie de sus "ventanas" (Uno al diez), en el XX Salón de Artistas Nacionales en 1971; y el primer premio, con una polémica pintura blanca, Atmósfera, en el XXVII Salón Nacional de Artes Visuales, en 1978.

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 * Además de esto es muy importante el arte en las calles de Colombia como lo son **



> > ** HISTORIA DEL GRAFFITI ** > La palabra "graffiti" tiene sus orígenes en la palabra griega //graphein// que significa escribir. Esto evolucionó en la palabra latina //graffito//. Graffiti es la forma plural de graffito. > Cuándo empezó el grafitti? Pues la historia moderna de graffiti se remonta a los años 60 cuando empezó en Nueva York, influído por la música hip-hop. Los primeros artistas > de graffiti se dedicaban a firmas, y vivían y pintaban en Nueva York. > Uno de los primeras artistas de graffiti firmaba TAKI 183 y fue entrevistado por el New York Times en 1971. Su nombre verdadero era Demetrius y era un joven griego que trabajaba como mensajero en Nueva York. Pintaba su firma en todos los sitios donde entregaba documentos y paquetes. Se hizo famoso y muchos jóvenes empezaron a imitarle y a buscar sitios cada vez más difíciles y llamativos donde dejar su firma. Tal vez el nombre TAKER que se utiliza para los rotuladores gruesas de tinta permanente utilizadas por los grafiteros tiene su orígen en la primera firma de graffiti conocida, TAKI 183. > Pronto, cientos de jóvenes en Nueva York, especialmente aquellos atraídos por la música rap y hip hop, empezaron a firmar por toda la ciudad, tanto que las autoridades tuvieron que gastar más de $300.000 (es decir 80.000 horas laborables) en la limpieza del metro. El objetivo de estos primeros graffiteros era dejar su firma en el máximo numero de sitios posibles. Ganaban fama, dentro de los círculos de graffiteros, según el número de firmas y según los sitios en los que lograban firmar. Cuánto más peligroso, más estatus. paralelamente, Keith Haring un artista, empezó a pintar sus dibujos en sitios públicos, primero pegando posters y luego pintando directamente sobre muros y los paredes de los metros de Nueva York.

Al ser un tipo de arte tan distinto, Haring se hizo famoso, y pronto museos de arte en la ciudad empezaron a exponer sus obras. Se puede conocer más sobre la obra de Keith Haring en esta página web:. El video tarda unos minutos en cargarse, sobre todo si tienes una conexión lenta pero merece la pena. > Poco a poco el graffiti callejero, inspirándose en los diseños de Haring, se iba incorporando en la cultura Hip Hop, rap y //break dancing// y empezó a extenderse a otros países. Tuvo su momento más fuerte durante los setenta, pero luego empezó a perder popularidad. Pero hace una década una de las cadenas nacionales más populares de los Estados Unidos emitió un programa de televisión sobre el graffiti y de repente volvieron a aparecer firmas y arte graffitero no solo por los Estados Unidos, sino por sitios urbanos en todo el mundo y sobre todo en ciudades europeas.

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